Tirso de Molina

Gabriel Tellez (Madrid, 1579-Almazan, Soria, 1648), conhecido no mundo literário com o pseudônimo de Tirso de Molina, teve uma carreira vital, ao contrário de Lope de Vega, com poucas surpresas e estridência. De origem humilde entrou como jovem no convento de Madri de La Merced para professar um ano depois em Guadalajara. A partir deste momento sua vida estará ligada aos desígnios de seus superiores, cujos ditames Tirso sempre cumpriram com dignidade e obediência. Ele visitou vários conventos mercenários (Guadalajara, Toledo, Soria, Segóvia, Sevilha, Trujillo, Cuenca, etc.) ocupando o cargo de comandante em qualquer um deles. Junto com Madri, Toledo era a cidade preferida de Tirso. Na cidade de Tajo, no início da segunda década do século XVII, tornou-se nosso escritor um dos seus momentos mais felizes: dedicado à sua vocação religiosa, à leitura, produção de teatro, ensino e tratamento com os amigos . Nesta cidade ele é encontrado quando é selecionado para uma missão pastoral na ilha caribenha de Santo Domingo (1616-1618). Desta forma, Tirso é um dos poucos escritores barrocos que tiveram a oportunidade de aprender sobre a realidade do Novo Mundo. Ela irá se referir em algumas de suas peças, especialmente na trilogia de Pizarro (1626-1629) e da História Geral da Ordem da Misericórdia (1639), obra que Tirso escreve na sua condição de cronista geral a ordem.

O único evento sério nesta biografia sem estridência ocorre em 1625, quando o Conselho de Reforma Aduaneira ataca o Mercedário, dedicando-se a escrever "comédias profanas e incentivos ruins". Isso força Tirso a sair da quadra, especificamente para Sevilha. Anos mais tarde (1627-1636) aparecem, até um total de cinco volumes sucessivos ou partes que recolheu a maior parte da sua produção teatral, bem como a sua miscelânea religiosa de desenho Deleytar (1635), de estrutura idêntica à sua grande miscelânea laico os Cigarrales de Toledo (1624).

Talvez afetado pelo episódio do Conselho da Reforma e pelas pressões recebidas dentro da Ordem, Tirso lentamente abandona a produção de comédias e textos profanos. Seus últimos anos são gastos como comandante do convento de Soria. E no início de 1648 adoeceu no convento de Soria de Almazán. Ele morreu em 20 de fevereiro e foi enterrado na capela funerária dos frades.

Tirso de Molina sabia perfeitamente harmonizar o seu estatuto mercedário frade e escritor de comédias, a partir do qual ele chegou a escrever cerca de quatrocentos por sua própria admissão, ainda que só tenhamos alcançado sessenta. Dentro da história da comédia espanhola constitui uma das cimeiras junto com Lope de Vega e Calderón de la Barca. Ele sempre se orgulhou de seu talento literário e defendeu a nova comédia com grande zelo contra os ataques dos moralistas e dos classicistas. Em sua opinião, a comédia se configura como um espetáculo total e globalizante capaz de atrair todos os espectadores dos currais da comédia. A tarefa do comediante deve ser entreter, entreter, provocar a admiração desse público heterogêneo, exigente e barulhento. E é precisamente aí que o valor fundamental do teatro de Tirsia reside, na elaboração de mundos cómicos, em ações coerentes e complexas, num universo de provocações e envolvimentos admiráveis. O que significa humor, portanto, no teatro tirsiano é refinado, situações ousados, o esprit de personagens rústicos e servos urbanas, a atmosfera de diversão e jogos que reina em grande parte de sua produção teatral, finalmente, a riqueza da mídia lingüística cheia de criações originais. A este respeito são claramente as palavras que seu amigo Juan Pérez de Montalbán deixou escritos nas preliminares da Parte IV das comédias de Tirso, em louvar as peças de mercedario da seguinte forma: "o sententious de conceitos admira , pastelão de erros corrigidos, o engraçado de donaires entretém,-lo emaranhado arranjo deleita-lo de bom grado cadências amor e política do conselho convence e adverte, e sua variedade discreta como um nosegay diferente , além de beleza e fragrância, amor diversidade e compostura ».

Todas essas características estão presentes em seus mais conhecidos e admirados comédias: Don Gil das calças verdes, a piedosa Marta, A vergonha no palácio, o vilão da Sagra. É verdade que Tirso também escreveu peças graves, entre os quais incluem O Malandro de Sevilha eo Stone Guest, a peça que mais fama deu as tabelas trazer o mítico Don Juan Tenorio, o condenado por desconfiava, Prudence nas mulheres e outras obras inspiradas nas Sagradas Escrituras ou na História da Espanha.

Michelangelo

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni ou mais comumente conhecido por seu primeiro nome Michelangelo (ˌmaɪkəlˈændʒəloʊ /; italiano: [mikeˈlandʒelo di lodoˈviːko ˌbwɔnarˈrɔːti siˈmoːni]; 6 de março de 1475 - 18 de fevereiro de 1564) foi um escultor, pintor, arquiteto e poeta italiano do Alto Renascimento nascido na República de Florença, que exerceu uma influência inigualável no desenvolvimento da arte ocidental.
 Considerado por alguns o maior artista vivo durante sua vida, ele já foi descrito como um dos maiores artistas de todos os tempos.
 Apesar de ter feito poucas incursões além das artes, sua versatilidade artística era de tal ordem que ele é frequentemente considerado um candidato ao título do homem arquetípico da Renascença, junto com seu rival, o companheiro florentino e cliente dos Medici, Leonardo da Vinci. .
Várias obras de pintura, escultura e arquitetura de Michelangelo estão entre as mais famosas da existência.
 Sua produção nesses campos era prodigiosa; dado o grande volume de correspondências sobreviventes, esboços e reminiscências, ele é o artista mais bem documentado do século XVI. Ele esculpiu duas de suas obras mais conhecidas, a Pietà e David, antes da idade de trinta anos. Apesar de ter pouca opinião sobre a pintura, ele também criou dois dos afrescos mais influentes da história da arte ocidental: as cenas do Gênesis no teto da Capela Sistina, em Roma, e O Juízo Final, na parede do altar. Seu projeto da Biblioteca Laurentiana foi pioneiro na arquitetura maneirista.
 Aos 74 anos, ele sucedeu Antonio da Sangallo, o Jovem, como o arquiteto da Basílica de São Pedro. Ele transformou o plano de modo que o extremo oeste foi finalizado para o seu design, como foi o domo, com algumas modificações, após a sua morte.
Michelangelo foi o primeiro artista ocidental cuja biografia foi publicada enquanto ele estava vivo.
 De fato, duas biografias foram publicadas durante sua vida. Um deles, de Giorgio Vasari, propôs que o trabalho de Michelangelo transcendia o de qualquer artista vivo ou morto, e era "supremo em não uma só arte, mas em todos os três".
Em sua vida, Michelangelo foi chamado de Il Divino ("o divino").
 Seus contemporâneos freqüentemente admiravam sua terribilidade - sua capacidade de incutir um senso de reverência. Tentativas de artistas posteriores de imitar o estilo apaixonado e altamente pessoal de Michelangelo resultaram no maneirismo, o próximo grande movimento na arte ocidental depois do Alto Renascimento.
Michelangelo nasceu em 6 de março de 1475 [a] em Caprese, conhecida hoje como Caprese Michelangelo, uma pequena cidade situada em Valtiberina, perto de Arezzo, Toscana.
 Durante várias gerações, sua família tinha sido banqueiros de pequena escala em Florença; mas o banco faliu, e seu pai, Ludovico di Leonardo Buonarroti Simoni, assumiu brevemente um posto no governo em Caprese, onde Michelangelo nasceu.
 Na época do nascimento de Michelangelo, seu pai era o administrador judicial da cidade e podestà ou administrador local de Chiusi della Verna. A mãe de Michelangelo era Francesca Di Neri del Miniato de Siena.
 Os Buonarrotis alegaram descender da Condessa Mathilde de Canossa - uma afirmação que ainda não foi comprovada, mas que Michelangelo acreditava.
Vários meses após o nascimento de Michelangelo, a família retornou a Florença, onde foi criado. Durante a doença tardia de sua mãe, e depois de sua morte em 1481 (quando ele tinha seis anos), Michelangelo viveu com uma babá e seu marido, um lapidário, na cidade de Settignano, onde seu pai possuía uma pedreira de mármore e uma pequena Fazenda.
 Lá ele ganhou seu amor pelo mármore. Como Giorgio Vasari cita:

"Se há algo de bom em mim, é porque nasci na atmosfera sutil do seu país de Arezzo. Junto com o leite da minha ama, recebi o jeito de lidar com o cinzel e o martelo, com os quais faço minhas figuras."
Quando menino, Michelangelo foi enviado a Florença para estudar gramática com o humanista Francesco da Urbino.
No entanto, ele não mostrou interesse em sua educação, preferindo copiar pinturas de igrejas e procurar a companhia de outros pintores.
A cidade de Florença era na época o maior centro de artes e aprendizado da Itália.
 A arte era patrocinada pela Signoria (a prefeitura), pelas corporações mercantis e por ricos patronos como os Medici e seus associados bancários.
 O Renascimento, uma renovação da erudição clássica e das artes, teve seu primeiro florescimento em Florença.
 No início do século XV, o arquiteto Filippo Brunelleschi, tendo estudado os restos de edifícios clássicos em Roma, criara duas igrejas, a de San Lorenzo e a de Santo Spirito, que incorporavam os preceitos clássicos.
 O escultor Lorenzo Ghiberti trabalhou durante cinquenta anos para criar as portas de bronze do Batistério, que Michelangelo descreveria como "As Portas do Paraíso".
 Os nichos exteriores da Igreja de Orsanmichele continham uma galeria de obras dos mais aclamados escultores de Florença: Donatello, Ghiberti, Andrea del Verrocchio e Nanni di Banco.
 Os interiores das igrejas mais antigas eram cobertos com afrescos (principalmente no final da Idade Média, mas também no estilo do início do Renascimento), iniciados por Giotto e continuados por Masaccio na Capela Brancacci, cujas obras Michelangelo estudou e copiou em desenhos.
Durante a infância de Michelangelo, uma equipe de pintores foi chamada de Florença ao Vaticano para decorar as paredes da Capela Sistina. Entre eles estava Domenico Ghirlandaio, um mestre em pintura a fresco, perspectiva, desenho de figura e retrato que tinha a maior oficina em Florença.
 Em 1488, aos 13 anos, Michelangelo foi aprendiz de Ghirlandaio.
 No ano seguinte, seu pai persuadiu Ghirlandaio a pagar Michelangelo como artista, o que era raro para alguém de catorze anos.
 Quando, em 1489, Lorenzo de 'Medici, governante de fato de Florença, pediu a Ghirlandaio seus dois melhores alunos, Ghirlandaio enviou Michelangelo e Francesco Granacci.
De 1490 a 1492, Michelangelo frequentou a academia humanista que os Medici haviam fundado ao longo das linhas neoplatônicas. Lá seu trabalho e perspectiva foram influenciados por muitos dos mais proeminentes filósofos e escritores da época, incluindo Marsilio Ficino, Pico della Mirandola e Poliziano.
 Nesta época, Michelangelo esculpiu os relevos Madonna dos Passos (1490-1492) e Batalha dos Centauros (1491-1492), este último baseado em um tema sugerido por Poliziano e encomendado por Lorenzo de Medici.
 Michelangelo trabalhou por um tempo com o escultor Bertoldo di Giovanni. Quando ele tinha dezessete anos, outro aluno, Pietro Torrigiano, atingiu-o no nariz, causando a desfiguração que é visível nos retratos de Michelangelo.
A morte de Lorenzo de 'Medici em 8 de abril de 1492 trouxe uma reversão das circunstâncias de Michelangelo.
 Michelangelo deixou a segurança da corte dos Medici e voltou para a casa de seu pai. Nos meses seguintes, ele esculpiu um crucifixo de madeira policromada (1493), como um presente para o prior da igreja florentina de Santo Spirito, que lhe permitiu fazer alguns estudos anatômicos dos cadáveres do hospital da igreja.
 Entre 1493 e 1494, ele comprou um bloco de mármore e esculpiu uma estátua maior do que a vida de Hércules, que foi enviada para a França e posteriormente desapareceu em algum momento do século XVIII.
 Em 20 de janeiro de 1494, após pesadas quedas de neve, o herdeiro de Lorenzo, Piero de Medici, encomendou uma estátua de neve, e Michelangelo novamente entrou na corte dos Medici.
No mesmo ano, os Medici foram expulsos de Florença como resultado da ascensão de Savonarola. Michelangelo deixou a cidade antes do fim da agitação política, mudando-se para Veneza e depois para Bolonha.
 Em Bolonha, ele foi contratado para esculpir várias das últimas pequenas figuras para a conclusão do Santuário de São Domingos, na igreja dedicada a esse santo. Neste momento Michelangelo estudou os robustos relevos esculpidos por Jacopo della Quercia ao redor do portal principal da Basílica de São Petrônio, incluindo o painel da Criação de Eva cuja composição reapareceria no teto da Capela Sistina.
 No final de 1494, a situação política em Florença era mais calma. A cidade, anteriormente ameaçada pelos franceses, não estava mais em perigo quando Carlos VIII sofreu derrotas. Michelangelo retornou a Florença, mas não recebeu comissões do novo governo da cidade sob Savonarola. Ele retornou ao emprego dos Medici. Durante o meio ano que passou em Florença, ele trabalhou em duas pequenas estátuas, uma criança São João Batista e um Cupido adormecido. De acordo com Condivi, Lorenzo di Pierfrancesco de 'Medici, para quem Michelangelo havia esculpido São João Batista, pediu que Michelangelo o "consertasse de modo que parecesse ter sido enterrado" para que ele pudesse "enviá-lo para Roma ... passá-lo como um trabalho antigo e ... vendê-lo muito melhor ". Tanto Lorenzo quanto Michelangelo foram involuntariamente enganados pelo valor real da peça por um intermediário. O cardeal Raffaele Riario, a quem Lorenzo o vendeu, descobriu que era uma fraude, mas ficou tão impressionado com a qualidade da escultura que convidou o artista para Roma.
 Este aparente sucesso em vender sua escultura no exterior, bem como a situação conservadora florentina, pode ter encorajado Michelangelo a aceitar o convite do prelado.
Michelangelo chegou a Roma em 25 de junho de 1496, aos 21 anos de idade. Em 4 de julho do mesmo ano, ele começou a trabalhar em uma comissão para o cardeal Raffaele Riario, uma estátua do deus do vinho romano Bacchus. Após a conclusão, o trabalho foi rejeitado pelo cardeal, e posteriormente entrou na coleção do banqueiro Jacopo Galli, para o seu jardim.
Em novembro de 1497, o embaixador francês na Santa Sé, o cardeal Jean de Bilhères-Lagraulas, encarregou-o de esculpir uma Pietà, uma escultura que mostrava a Virgem Maria em luto pelo corpo de Jesus. O assunto, que não faz parte da narrativa bíblica da crucificação, era comum na escultura religiosa do norte da Europa medieval e teria sido muito familiar para o cardeal.
 O contrato foi acordado em agosto do ano seguinte. Michelangelo tinha 24 anos no momento de sua conclusão.
 Em breve seria considerada uma das maiores obras-primas do mundo da escultura, "uma revelação de todas as potencialidades e força da arte da escultura". A opinião contemporânea foi resumida por Vasari: "É certamente um milagre que um bloco de pedra sem forma pudesse ter sido reduzido a uma perfeição que a natureza dificilmente é capaz de criar na carne". Agora está localizado na Basílica de São Pedro.
Michelangelo retornou a Florença em 1499. A república estava mudando após a queda de seu líder, o padre anti-renascentista Girolamo Savonarola, que foi executado em 1498, e a ascensão do gonfaloniere Piero Soderini. Michelangelo foi convidado pelos cônsules da Guild of Wool para concluir um projeto inacabado iniciado 40 anos antes por Agostino di Duccio: uma estátua colossal de mármore de Carrara retratando David como um símbolo da liberdade florentina a ser colocada na empena da Catedral de Florença.
 Michelangelo respondeu completando sua obra mais famosa, a estátua de Davi, em 1504. A obra-prima estabeleceu definitivamente sua proeminência como escultor de extraordinária habilidade técnica e força da imaginação simbólica. Uma equipe de consultores, incluindo Botticelli e Leonardo da Vinci, foi chamada para decidir sobre a sua colocação, em última análise, a Piazza della Signoria, em frente ao Palazzo Vecchio. Ele agora está na Academia enquanto uma réplica ocupa seu lugar na praça.
Com a conclusão do David veio outra comissão. No início de 1504, Leonardo da Vinci foi contratado para pintar A Batalha de Anghiara na câmara do conselho do Palazzo Vecchio, representando a batalha entre Florença e Milão em 1440. Michelangelo foi então contratado para pintar a Batalha de Cascina. As duas pinturas são muito diferentes: Leonardo retrata soldados lutando a cavalo, enquanto Michelangelo tem soldados sendo emboscados enquanto se banham no rio. Nenhum dos trabalhos foi concluído e ambos foram perdidos para sempre quando a câmara foi reformada. Ambas as obras foram muito admiradas, e as cópias permanecem delas, a obra de Leonardo tendo sido copiada por Rubens e Michelangelo por Bastiano da Sangallo.
Também durante este período, Michelangelo foi contratado por Angelo Doni para pintar uma "Sagrada Família" como presente para sua esposa, Maddalena Strozzi. É conhecido como o Doni Tondo e está pendurado na Galeria Uffizi em sua magnífica estrutura original, que Michelangelo pode ter projetado.
 Ele também pode ter pintado a Madonna and Child com John the Baptist, conhecido como Manchester Madonna e agora na National Gallery, em Londres.
Em 1505 Michelangelo foi convidado de volta a Roma pelo recém-eleito Papa Júlio II e encarregado de construir o túmulo do papa, que deveria incluir quarenta estátuas e ser concluído em cinco anos.
 Sob o patrocínio do papa, Michelangelo experimentou constantes interrupções em seu trabalho no túmulo, a fim de realizar inúmeras outras tarefas. Embora Michelangelo trabalhou no túmulo por 40 anos, nunca foi terminado para sua satisfação.
 Ele está localizado na Igreja de San Pietro in Vincoli em Roma e é mais famoso pela figura central de Moisés, concluída em 1516.
 Das outras estátuas destinadas ao túmulo, duas, conhecidas como o Escravo Rebelde e o Escravo Morrer, estão agora no Louvre.
Durante o mesmo período, Michelangelo pintou o teto da Capela Sistina, que levou cerca de quatro anos para ser concluído (1508-1512).
 De acordo com o relato de Condivi, Bramante, que estava trabalhando na construção da Basílica de São Pedro, se ressentia da comissão de Michelangelo pelo túmulo do papa e convenceu o papa a comissioná-lo em um meio com o qual ele não estava familiarizado, a fim de tarefa. Michelangelo foi originalmente encarregado de pintar os Doze Apóstolos nas pendentes triangulares que sustentavam o teto e cobrir a parte central do teto com ornamentos.
 Michelangelo persuadiu o papa Júlio a dar-lhe uma mão livre e propôs um esquema diferente e mais complexo, representando a Criação, a Queda do Homem, a Promessa de Salvação através dos profetas e a genealogia de Cristo. A obra faz parte de um esquema maior de decoração dentro da capela que representa grande parte da doutrina da Igreja Católica.
A composição se estende por mais de 500 metros quadrados de teto e contém mais de 300 figuras.
 No seu centro estão nove episódios do Livro do Gênesis, divididos em três grupos: a criação da terra por Deus; Criação de Deus da humanidade e sua queda da graça de Deus; e finalmente, o estado da humanidade representado por Noé e sua família. Nos pendentes que sustentam o teto estão pintados doze homens e mulheres que profetizaram a vinda de Jesus, sete profetas de Israel e cinco sibilas, mulheres proféticas do mundo clássico. Entre as pinturas mais famosas no teto estão A Criação de Adão, Adão e Eva no Jardim do Éden, o Dilúvio, o Profeta Jeremias e a Sibila Cumaeana.
Em 1513, o Papa Júlio II morreu e foi sucedido pelo Papa Leão X, o segundo filho de Lorenzo dei Medici.
 O papa Leão mandou que Michelangelo reconstruísse a fachada da Basílica de San Lorenzo em Florença e a adornasse com esculturas. Ele concordou com relutância e passou três anos criando desenhos e modelos para a fachada, além de tentar abrir uma nova pedreira de mármore em Pietrasanta especificamente para o projeto. Em 1520, o trabalho foi abruptamente cancelado por seus fregueses financeiramente amarrados antes de qualquer progresso real ter sido feito. A basílica não tem fachada até hoje.
Em 1520 os Medici voltaram a Michelangelo com outra grande proposta, desta vez para uma capela funerária familiar na Basílica de San Lorenzo.
 Felizmente para a posteridade, este projeto, ocupando o artista por grande parte das décadas de 1520 e 1530, foi mais plenamente realizado. Michelangelo usou seu próprio critério para criar a composição da Capela Medici, que abriga os grandes túmulos de dois dos membros mais jovens da família Medici, Giuliano, duque de Nemours, e Lorenzo, seu sobrinho. Também serve para comemorar seus predecessores mais famosos, Lorenzo, o Magnífico e seu irmão Giuliano, que estão enterrados nas proximidades. Os túmulos exibem estátuas dos dois Medici e figuras alegóricas representando Noite e Dia, e Dusk and Dawn. A capela também contém a Madonna Medici de Michelangelo. Em 1976, um corredor escondido foi descoberto com desenhos nas paredes que se relacionavam com a própria capela.
O papa Leão X morreu em 1521 e foi sucedido sucintamente pelo austero Adriano VI e depois por seu primo Giulio Medici como papa Clemente VII. Em 1524, Michelangelo recebeu uma comissão de arquitetura do Papa Medici para a Biblioteca Laurentina na Igreja de San Lorenzo.
 Ele projetou tanto o interior da biblioteca como seu vestíbulo, um edifício que utiliza formas arquitetônicas com um efeito tão dinâmico que é visto como o precursor da arquitetura barroca. Foi deixado aos assistentes para interpretar seus planos e realizar instruções. A biblioteca não foi aberta até 1571 e o vestíbulo permaneceu incompleto até 1904.
Em 1527, os cidadãos florentinos, encorajados pelo saque de Roma, expulsaram os Medici e restauraram a república. Seguiu-se um cerco da cidade, e Michelangelo foi em auxílio de sua amada Florença, trabalhando nas fortificações da cidade de 1528 a 1529. A cidade caiu em 1530, e os Médici foram restaurados ao poder.
 Michelangelo caiu em desgraça com o jovem Alessandro Medici, que havia sido instalado como o primeiro duque de Florença. Temendo por sua vida, ele fugiu para Roma, deixando assistentes para completar a capela Medici e a Biblioteca Laurentina. Apesar do apoio de Michelangelo à república e resistência ao regime Medici, ele foi recebido pelo papa Clemente, que restabeleceu uma mesada que ele havia concedido anteriormente ao artista e fez um novo contrato com ele sobre o túmulo do papa Júlio.
Em Roma, Michelangelo viveu perto da igreja de Santa Maria di Loreto. Foi nessa época que ele conheceu a poeta Vittoria Colonna, marquesa de Pescara, que se tornaria uma de suas amigas mais próximas até sua morte em 1547.
Pouco antes de sua morte, em 1534, o papa Clemente VII comissionou Michelangelo a pintar um afresco de O Juízo Final na parede do altar da Capela Sistina. Seu sucessor, Paulo III, foi fundamental para que Michelangelo começasse e completasse o projeto, do qual trabalhou de 1534 a outubro de 1541.
 O afresco retrata a segunda vinda de Cristo e seu julgamento das almas. Michelangelo ignorou as convenções artísticas habituais em retratar Jesus, mostrando-o como uma figura maciça e musculosa, jovem, sem barba e nua.
 Ele é cercado por santos, entre os quais São Bartolomeu tem uma pele esfolada e esvoaçante, com a aparência de Michelangelo. Os mortos se levantam de seus túmulos, para serem enviados para o céu ou para o inferno.
Uma vez concluída, a representação de Cristo e da Virgem Maria nua foi considerada um sacrilégio, e o cardeal Carafa e o monsenhor Sernini (embaixador de Mântua) fizeram campanha para que o afresco fosse removido ou censurado, mas o papa resistiu. No Concílio de Trento, pouco antes da morte de Michelangelo, em 1564, decidiu-se obscurecer os genitais e Daniele da Volterra, um aprendiz de Michelangelo, foi encarregado de fazer as alterações.
 Uma cópia sem censura do original, de Marcello Venusti, está no Museu Capodimonte de Nápoles.
Michelangelo trabalhou em vários projetos arquitetônicos nessa época. Eles incluíram um projeto para o Monte Capitolino com sua praça trapezoidal exibindo a antiga estátua de bronze de Marco Aurélio. Ele projetou o andar superior do Palazzo Farnese e o interior da Igreja de Santa Maria degli Angeli, na qual ele transformou o interior abobadado de uma antiga casa de banhos romana. Outras obras arquitetônicas incluem San Giovanni dei Fiorentini, a Capela Sforza (Capella Sforza) na Basílica di Santa Maria Maggiore e a Porta Pia.
Enquanto ainda trabalhava no Juízo Final, Michelangelo recebeu outra comissão para o Vaticano. Isto foi para a pintura de dois grandes afrescos na Cappella Paolina, representando eventos significativos nas vidas dos dois santos mais importantes de Roma, a Conversão de São Paulo e a Crucificação de São Pedro. Como o Juízo Final, esses dois trabalhos são composições complexas contendo um grande número de figuras.
 Eles foram concluídos em 1550. No mesmo ano, Giorgio Vasari publicou seu Vita, incluindo uma biografia de Michelangelo.
Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto da Basílica de São Pedro, em Roma.
 O processo de substituir a basílica constantiniana do século IV estava em andamento há cinquenta anos e, em 1506 fundações, haviam sido lançadas as plantas de Bramante. Arquitetos sucessivos haviam trabalhado nisso, mas pouco progresso havia sido feito. Michelangelo foi persuadido a assumir o projeto. Ele retornou aos conceitos de Bramante e desenvolveu suas idéias para uma igreja planejada centralmente, fortalecendo a estrutura física e visualmente.
 A cúpula, não concluída até depois de sua morte, foi chamada por Banister Fletcher, "a maior criação do Renascimento".
Como a construção estava progredindo em São Pedro, havia a preocupação de que Michelangelo falecesse antes que a cúpula terminasse. No entanto, uma vez iniciado o edifício na parte inferior da cúpula, o anel de suporte, a conclusão do projeto era inevitável.
Em 7 de dezembro de 2007, um esboço de giz vermelho para a cúpula da Basílica de São Pedro, possivelmente a última feita por Michelangelo antes de sua morte, foi descoberto nos arquivos do Vaticano. É extremamente raro, já que ele destruiu seus desenhos mais tarde na vida. O esboço é um plano parcial de uma das colunas radiais do tambor da cúpula de São Pedro.
Michelangelo era um católico devoto cuja fé se aprofundou no final de sua vida.
 Ele era abstêmio em sua vida pessoal, e uma vez disse ao seu aprendiz, Ascanio Condivi: "Por mais rico que eu tenha sido, sempre vivi como um homem pobre".
 Condivi disse que ele era indiferente a comida e bebida, comendo "mais por necessidade do que por prazer" [59] e que ele "freqüentemente dormia em suas roupas e ... botas". Seu biógrafo Paolo Giovio diz: "Sua natureza era tão rude e grosseira que seus hábitos domésticos eram incrivelmente sórdidos e privavam a posteridade de qualquer aluno que pudesse segui-lo." [60] Ele pode não ter se importado, já que era por natureza pessoa solitária e melancólica, bizzarro e fantastico, um homem que "se retirou da companhia dos homens".
É impossível saber com certeza se Michelangelo tinha relações físicas (Condivi atribuiu a ele uma "castidade monástica"), mas a natureza de sua sexualidade é evidenciada em sua poesia.
 Ele escreveu mais de trezentos sonetos e madrigais. A sequência mais longa que apresenta uma grande amizade romântica, foi escrita para Tommaso dei Cavalieri (c. 1509-1587), que tinha 23 anos quando Michelangelo o conheceu em 1532, com 57 anos de idade. Estes compõem a primeira grande seqüência de poemas. em qualquer língua moderna dirigida por um homem para outro; eles datam de cinquenta anos os sonetos de Shakespeare para a juventude justa:

Eu me sinto como iluminado pelo fogo um semblante frio
Isso me queima de longe e se mantém gelada;
Uma força eu sinto dois braços bem formados para preencher
Que sem movimento move todo equilíbrio.

- (Michael Sullivan, tradução)
Cavalieri respondeu: "Juro devolver o seu amor. Nunca amei um homem mais do que amo você, nunca desejei uma amizade mais do que a sua." Cavalieri permaneceu dedicado a Michelangelo até sua morte.
Em 1542, Michelangelo conheceu Cecchino dei Bracci, que morreu apenas um ano depois, inspirando Michelangelo a escrever quarenta e oito epigramas fúnebres. Alguns dos objetos das afeições de Michelangelo, e temas de sua poesia, se aproveitaram dele: o modelo Febo di Poggio pediu dinheiro em resposta a um poema de amor, e um segundo modelo, Gherardo Perini, roubou dele descaradamente.
A natureza abertamente homoerótica da poesia tem sido uma fonte de desconforto para as gerações futuras. O sobrinho-neto de Michelangelo, Michelangelo Buonarroti, o Jovem, publicou os poemas em 1623 com o gênero dos pronomes mudados, e não foi até que John Addington Symonds os traduziu para o inglês em 1893 que os gêneros originais foram restaurados. Mesmo nos tempos modernos, alguns estudiosos continuam a insistir que, apesar da restauração dos pronomes, eles representam "uma re-imaginação sem emoção e elegante do diálogo platônico, através do qual a poesia erótica era vista como uma expressão de sensibilidades refinadas".
No final da vida, Michelangelo alimentou um grande amor platônico pela poeta e nobre viúva Vittoria Colonna, que conheceu em Roma em 1536 ou 1538 e que estava com quarenta e tantos anos na época. Escreviam sonetos um para o outro e mantinham contato regular até a morte. Esses sonetos lidam principalmente com as questões espirituais que os ocupavam. Condivi lembra que Michelangelo está dizendo que seu único arrependimento na vida é que ele não beijou o rosto da viúva da mesma maneira que ele tinha na mão.
A Madonna dos Degraus é o primeiro trabalho conhecido de Michelangelo em mármore. É esculpida em relevo superficial, uma técnica frequentemente empregada pelo mestre-escultor do início do século XV, Donatello, e outros como Desiderio da Settignano.
Enquanto a Madonna está no perfil, o aspecto mais fácil para um alívio superficial, a criança exibe um movimento de torção que se tornaria característico do trabalho de Michelangelo. O Taddeo Tondo de 1502 mostra o Menino Jesus assustado por um Dom-fafe, um símbolo da Crucificação.
 A forma animada da criança foi posteriormente adaptada por Raphael em Bridgewater Madonna. A Madonna de Bruges foi, na época de sua criação, ao contrário de outras estátuas, representando a Virgem orgulhosamente apresentando seu filho. Aqui, o Menino Jesus, contido pela mão da mãe, está prestes a sair para o mundo.
 O Doni Tondo, representando a Sagrada Família, tem elementos de todos os três trabalhos anteriores: o friso de figuras no fundo tem a aparência de um baixo-relevo, enquanto a forma circular e formas dinâmicas ecoam o Taddeo Tondo. O movimento de torção presente na Madona de Bruges é acentuado na pintura. A pintura anuncia as formas, movimentos e cores que Michelangelo empregaria no teto da Capela Sistina.
O anjo ajoelhado é um dos primeiros trabalhos, um dos vários que Michelangelo criou como parte de um grande esquema decorativo para a Arca di San Domenico na igreja dedicada a esse santo em Bolonha. Vários outros artistas haviam trabalhado no esquema, começando com Nicola Pisano no século XIII. No final do século 15, o projeto foi gerenciado por Niccolò dell'Arca. Um anjo segurando um candelabro, por Niccolò, já estava no lugar.
 Embora os dois anjos formem um casal, há um grande contraste entre os dois trabalhos, o que retrata uma criança delicada com cabelos esvoaçantes vestidos com vestes góticas com dobras profundas, e a de Michelangelo retratando um jovem robusto e musculoso com asas de águia, vestido com uma peça de estilo clássico. Tudo sobre o anjo de Michelangelo é dinâmico.
 Baco de Michelangelo foi uma comissão com um assunto específico, o jovem Deus do vinho. A escultura tem todos os atributos tradicionais, uma grinalda de videira, uma taça de vinho e um fulvo, mas Michelangelo ingeriu um ar de realidade no assunto, retratando-o com olhos turvos, uma bexiga inchada e uma postura que sugere que ele está instável em seu rosto. pés.
 Enquanto o trabalho é claramente inspirado pela escultura clássica, é inovador por seu movimento rotativo e qualidade tridimensional, que incentiva o espectador a olhar para ele de todos os ângulos.
 No assim chamado Escravo Moribundo, Michelangelo utilizou novamente a figura com um marcado contraponto para sugerir um estado humano particular, neste caso, despertar do sono. Com o escravo rebelde, é uma das duas figuras anteriores do túmulo do papa Júlio II, agora no Louvre, que o escultor levou a um estado quase acabado. Estas duas obras tiveram uma profunda influência na escultura posterior, através de Rodin, que as estudou no Louvre.
 O Escravo Ligado é uma das figuras posteriores do túmulo do Papa Júlio. As obras, conhecidas coletivamente como Os Cativos, mostram cada uma a figura lutando para se libertar, como se das amarras da rocha em que está alojada. As obras dão uma visão única sobre os métodos esculturais que Michelangelo empregou e sua maneira de revelar o que ele percebia dentro da rocha.

Antonio del Pollaiuolo

Antonio del Pollaiuolo (17 de janeiro de 1429/1433 - 4 de fevereiro de 1498), também conhecido como Antonio di Jacopo Pollaiuolo ou Antonio Pollaiuolo, foi pintor, escultor, gravador e orfebre italiano durante o Renascimento italiano.Tobias e o anjo, Antonio del PollaioloEle nasceu em Florença. Seu irmão, Piero, também era um artista, e os dois frequentemente trabalhavam juntos. O seu trabalho mostra as influências clássicas e o interesse pela anatomia humana; alegadamente, os irmãos realizaram dissecções para melhorar seu conhecimento sobre o assunto. Eles tiraram seu apelido do comércio de seu pai, que na verdade vende aves de capoeira (pollaio que significa "galinheiro" em italiano). Os primeiros estudos de goldsmithing e metalurgia de Antonio estavam sob o pai ou Andrea del Castagno: o último provavelmente o ensinou também na pintura.Outras fontes relatam que ele trabalhou na oficina de Florença de Bartoluccio di Michele, onde Lorenzo Ghiberti também recebeu seu treinamento.
 Durante este tempo, ele também se interessou pela gravura.

Algumas das pinturas de Pollaiuolo exibem forte brutalidade, das quais as características podem ser estudadas no seu retrato de São Sebastião, pintado em 1473-1475 para a Capela Pucci das SS. Annunziata de Florença. No entanto, em contraste, seus retratos femininos exibem uma calma e uma atenção meticulosa aos detalhes da moda, como era a norma no retratamento do final do século XV.Ele alcançou seus maiores sucessos como escultor e metalúrgico.A descrição exata de suas obras é duvidosa, pois seu irmão Piero fez muito em colaboração com ele.A adição do século XV dos gêmeos infantis Romulus e Remus a uma escultura de bronze existente da loira mitológica romana antiga que os cuidou foi atribuída por alguns.Ele só produziu uma gravura sobreviva, a Batalha dos Homens Nus, mas, tanto em seu tamanho quanto em sua sofisticação, levou a impressão italiana a novos níveis e continua sendo uma das cópias mais famosas do Renascimento.

Em 1484, Antonio tomou a residência em Roma, onde executou o túmulo do Papa Sixto IV, agora no Museu de São Pedro (terminado em 1493), uma composição na qual ele manifestou novamente a qualidade do exagero nas características anatômicas de as figuras. Em 1496, foi a Florença para dar os últimos retoques ao trabalho já iniciado na sacristia de Santo Spirito.Ele morreu em Roma como um homem rico, acabando de terminar seu mausoléu do Papa Inocêncio VIII, também em São Pedro, e foi enterrado na igreja de San Pietro em Vincoli, onde um monumento foi levado para ele perto do de seu irmão.O seu principal contributo para a pintura florentina situava-se na sua análise do corpo humano em movimento ou sob condições de tensão, mas também é importante para o seu interesse pioneiro na paisagem. Seus estudantes incluíram Sandro Botticelli.

Paolo Uccello

Paolo di Dono, ou Paolo Doni, conhecido como Paolo Uccello (Pratovecchio, 15 de junho de 1397 - Florença, 10 de dezembro de 1475), era um pintor e mosaico italiano.Ele estava entre os protagonistas da cena artística florentina de meados do século quinquenal.De acordo com Vasari em suas Vidas, Paolo Uccello "não teve outro prazer senão investigar algumas coisas difíceis e impossíveis de perspectiva", sublinhando seu traço distintivo mais imediato, ou seja, o interesse quase obsessivo na construção em perspectiva. Esta característica, combinada com a adesão ao clima de fadas do gótico internacional, faz de Paolo Uccello uma figura na fronteira entre os dois mundos figurativos, de acordo com uma jornada artística entre os mais autônomos do século XV.De acordo com Vasari, ele foi apelidado de "Paolo Uccelli", porque ele amava especialmente os animais de pintura e especialmente os pássaros: adoraria pintá-los para decorar sua casa, não podendo pagar animais reais.Ele era filho de um cirurgião e barbeiro, Dono di Paolo di Pratovecchio, cidadão florentino desde 1373, e da nobre Antonia di Giovanni del Beccuto. O pai pertencia a uma família rica, o Doni, que entre os séculos XV e XV tinha dado oito priores, enquanto a mãe era de uma família de nobres senhores feudais, que tinham suas próprias casas perto de Santa Maria Maggiore, uma igreja na qual a família Del Beccuto Eles tinham e tinham três capelas decoradas (uma delas pelo próprio Paulo). Na medida em que o cadastro de 1427 o lembra de trinta anos, então ele teve que nascer em 1397. 

Em apenas dez anos, de 1407 a 1414, foi junto com Donatello e outros, na oficina de Lorenzo Ghiberti, envolvida na construção do portão norte do Batistério de Florença (1403-1424). Percorrendo o livro dos salários do Ghiberti garzoni, observa-se que Paolo teve que trabalhar por dois períodos separados, um dos três anos e um de quinze meses, no qual gradualmente aumentou os salários, o que sugere um crescimento profissional dos jovens. Apesar de seu aprendizado na oficina de um escultor, sua estátua ou bas-relief não é conhecida; Era comum, em vez disso, os pintores que mais tarde se estabeleceram para serem iniciados na prática artística por escultores ou ourives, pois poderiam cultivar a arte na base de qualquer produção artística, o desenho. De Ghiberti ele teve que aprender esse gosto pela arte gótica tardia, que era um dos componentes fundamentais de sua linguagem. Estes eram elementos estilísticos ligados ao gosto linear, ao aspecto mundano dos assuntos sagrados, ao refinamento das formas e movimentos e à atenção aos mais minuciosos detalhes, sob a bandeira de um naturalismo rico em decorações.Neste período, o uso do apelido de "Pássaro" nasceu devido à capacidade de preencher os vazios prospectivos com animais, especialmente pássaros. Inscrito na Compagnia di San Luca em 1414, matriculou-se no dia 15 de outubro do ano seguinte na Arte dei Medici e Speziali, que incluiu pintores profissionais.




As obras desses anos são bastante obscuras, quer porque estão perdidas, quer porque se baseiam em um gosto gótico tradicional que é difícil de combinar com o trabalho de maturidade, com atribuições ainda discutidas. Como os quase contemporâneos Masaccio e Beato Angelico, as primeiras obras independentes tiveram data dos anos vinte. De acordo com Ugo Procacci, um tabernáculo na área de Lippi e Macia (Novoli, Florença) seria uma exceção. Uma antiga inscrição datada de 1416 à mão de Paolo Uccello: um trabalho gótico completamente tardio, no qual podem ser encontradas algumas afinidades com a Starnina.Em algumas Madonnas muito cedo com uma atribuição mais compartilhada (a da casa Beccuto, agora no Museu San Marco, ou que em uma coleção privada em Fiesole), percebe-se um gosto pela linha falcata, tipicamente gótico, a que uma abordagem inovadora esforço para a interpretação mais expressiva dos protagonistas, com acentos humorais e ironicos sutis, quase inéditos na solemnidade sagrada florentina.Parece claro que a família da mãe teve que desempenhar um papel ativo na entrada do menino na cena artística local. Além da mencionada Madonna afresada em sua casa, pelo "oposto" Paolo Carnesecchi, que tinha suas casas próximas aos de Del Beccuto, Paolo executou uma Anunciação perdida e quatro profetas em uma capela de Santa Maria Maggiore, uma obra que Vasari viu e definiu "encurtado" de uma "maneira nova e difícil naqueles tempos". Outros trabalhos daqueles tempos, agora perdidos, eram um nicho no Spedale di Lelmo com o abade Sant'Antonio entre os santos Cosma e Damiano e duas figuras no mosteiro de Annalena.Não está claro se ele participou das primeiras histórias do fresco no Claustro Verde de Santa Maria Novella, onde ele trabalhou com certeza nos anos seguintes. Nessas lunetas, hoje atribuídas principalmente a artistas anônimos, há um certo "gibertismo", com figuras arqueadas, com ondulações fluidas e em movimento, que alguns estudiosos indicam o alcance.
 A viagem a Veneza Entre 1425 e 1431, ele ficou em Veneza: são anos fundamentais, durante os quais Masaccio afogou a capela Brancacci, que teria tido muita influência sobre os jovens pintores florentinos, eclipsando rapidamente o marco recente Gothic tardio do Altar de Strozzi de Gentile da Fabriano (1423). Com a estrada pavimentada com a ajuda de um parente rico, Deo de Deo Beccuti, que atuou como procurador, dall'allenaza entre as repúblicas florentinas e venezianas e, sobretudo, a presença recente na lagoa de seu professor Ghiberti (inverno 1424-1425 ), Paolo Uccello atingiu a capital veneziana, onde permaneceu por seis ou sete anos. Antes de sair, como de costume, ele fez uma vontade em 5 de agosto de 1425. Esse pouco conhecido desses anos está ligado ao testemunho de uma carta a Pietro Beccanugi (embaixador florentino acreditado na Serenissima) da Ópera do Duomo de Florença, de 23 de março 1432, que pede uma conta e uma referência a Paolo di Dono, "magistro musayci", que fez um San Pietro para a fachada da Basílica de San Marco (uma obra perdida, que pode ser vista no telero de Gentile Bellini com a Procissão em piazza San Marco, de 1496). Algumas incrustações de mármore para o chão da basílica são atribuídas hoje com prudência. Longhi e Pudelko também falaram sobre os mosaicos da Visitação, Nascimento e Apresentação no Templo da Virgem da Capela de Mascoli em San Marco, interpretado por Michele Giambono: as três cenas, atribuídas pela maioria das críticas ao design de Andrea del Castagno , ativo alguns anos depois na cidade, tem um design de perspectiva de uma certa complexidade. Em 1427 foi certamente em Veneza, enquanto alguns anos depois, no verão de 1430, é possível que ele tenha visitado Roma, juntamente com dois ex-alunos, como ele, por Ghiberti, Donatello e Masolino. Com o último talvez ele colaborou no ciclo perdido de homens ilustres no palácio de Orsini, hoje conhecido através de uma cópia em miniatura de Leonardo da Besozzo. A hipótese baseia-se, no entanto, apenas em conjecturas, relacionadas à atração de artistas no momento da renovação de Roma, promovida por Martino V. A experiência veneziana acentuou sua propensão a representar evasões fantásticas, provavelmente inspiradas pelos afrescos perdidos de Pisanello e Gentile de Fabriano no Palácio dos Doges, mas ele o retirou de Florença durante um período crucial para desenvolvimentos artísticos. Alguns se referem a esse período a Anunciação de Oxford e São Jorge e o Dragão de Melbourne. Em 1431, ele voltou para sua terra natal, onde encontrou seus colegas jovens na oficina de Ghiberti, agora lançado para uma carreira estabelecida, como Donatello e Luca della Robbia, acompanhadas de dois monges já conscientes da extensão da revolução Masaccio, como Fra Angelico e Filippo Lippi. Os patrocinadores florentinos tiveram que demonstrar uma certa desconfiança com o artista repatriado, conforme evidenciado pela carta de referências enviada a Veneza pelos Trabalhadores da Catedral de 1432, que já foi mencionada. Em 1431, o lunette com a Criação dos animais e a criação de Adão e a caixa abaixo da Criação de Eva e Pecado originais no claustro verde de Santa Maria Novella, nos quais podemos captar em alguns detalhes a influência de Masolino (a cabeça) da serpente no pecado original), enquanto a figura severa do Pai Eterno lembra Ghiberti. O trabalho também mostra, no entanto, um primeiro contato com as novidades, em particular o Masaccio, sobretudo na inspiração para o corpo nu de Adão, pesado e monumental, bem como anatomicamente proporcional. Em geral, já existe a tendência geométrica do artista, com as figuras inscritas em círculos e outras formas geométricas, fundidas com reminiscências tardogóticas, como a insistência decorativa de detalhes naturalistas. O artista então certamente trabalhou em uma segunda, mais famosa lunette (Dilúvio e recessão das águas e Histórias de Noé) em 1447-1448. Talvez uma certa hostilidade em casa o trouxe por um breve período a Bolonha, onde percebeu uma grandiosa Adoração da Criança na igreja de San Martino, em cujos fragmentos sobreviventes podemos ler hoje uma adaptação rápida e inequívoca aos volumes sólidos e à pesquisa prospectiva de um estilo Masaccio. Com base na data praticamente legível, há aqueles que denunciam esse trabalho até 1437. No início da década de trinta ele trabalhou em algumas histórias franciscanas na Basílica de Santa Trinita, em Florença, de que só resta uma cena muito experiente dos estigmas de São Francisco acima A porta esquerda na contra-fachada. Em 1434, ele comprou uma casa em Florença, testemunhando sua vontade de trabalhar e se estabelecer na paisagem da cidade. Em 1435, Leon Battista Alberti publicou De pictura, um tratado que trouxe, direta ou indiretamente, Paolo Uccello e muitos outros. artistas de uma decisão decisiva
 Lzo adiante no campo da experimentação mais peculiarmente renascentista, colocando em segundo plano o gosto e o estilo gótico tardio: os pintores foram obrigados a consistência, verossimilhança e senso de harmonia, em nome de uma "narrativa ornamentada" que logo se tornou o padrão estético dominante. A esses novos pedidos, no entanto, Paolo Uccello sempre se aproximou de seu gosto pessoal, elegante e abstrato, derivado do exemplo de Ghiberti. Em 26 de novembro de 1435, o lã e comerciante de Prato Michele di Giovannino di Sandro, sessenta e quatro, ditou sua vontade, organizando fundos para fundar e decorar uma capela dedicada à Assunção na Catedral de Prato, preparando o caminho para o Irmão Padre, que será o primeiro reitor. Chamou para decorar as três paredes da capela Paolo Uccello, que teve que começar a empresa entre o inverno 1435 e a primavera de 1436. Paolo Uccello tem direito a uma parte das Histórias da Virgem (Natividade de Maria e Apresentação de Maria al Tempio) e Histórias de São Estêvão (Disputação de São Estêvão e Martírio de São Estêvão, exceto a metade inferior), bem como quatro santos em nichos nos lados do arco (San Girolamo, San Domenico, San Paolo e San Francesco ) e o afetuoso Beato Jacopone da Todi na parede atrás do altar, hoje destacado e mantido no Museu Cívico. É uma presença rara (seus restos foram encontrados apenas em 1433) e a forte conotação franciscana, provavelmente devido à devoção pessoal do cliente que, em sua vida, havia sido condenado e preso várias vezes por dívidas, de acordo com ele sem culpa. Particularmente significativa é a escadaria vertiginosa na Apresentação de Maria no Templo, onde vemos a rápida maturação da capacidade de representar elementos complexos no espaço, mesmo que o virtuosismo de alguns anos depois ainda não esteja presente. Já o contemporâneo Giovanni Manetti, em sua biografia de Brunelleschi, havia incluído Paolo Uccello entre os artistas que tinham conhecimento imediato dos experimentos prospectivos do grande arquiteto. A partir daí, na literatura seguinte, a fama de Paolo começou como professora que "entendia bem a perspectiva", por exemplo, já nos escritos de Cristoforo Landino de 1481. Nos afrescos de Prato um certo isolamento metafísico dos edifícios, a faixa de cor fria e brilhante e, acima de tudo, o curioso repertório de rostos esquisitos espalhados nas histórias e as características das festas decorativas trazem um caráter extravagante, original e amante das irregularidades. A atribuição dos afrescos Pratesi não é certa: Pudelko falou com mais prudência do que um Mestre de Karlsruhe, Mario Salmi relatou-os ao Mestre de Quarate, enquanto Pope-Hennessy falou de um "Mestre de Prato". Em 1437, o trabalho em Prato é considerado concluído, devido à presença de um tríptico para a Galeria Accademia de Florença datada de naquele ano, que cita explicitamente a São Francisco de Paulo. Não está claro por que o artista deixou a cidade antes do final do ciclo (mais tarde completado por Andrea di Giusto), talvez devido à estipulação, em 1436, de um contrato mais atraente com a Ópera do Duomo de Florença. Satisfeito com os afrescos Eu sou a Santa Freira com duas meninas da Coleção Contini Bonacossi, Madonna e Criança da Galeria Nacional da Irlanda e a Crucificação do Museu Thyssen-Bornemisza em Madri. O ciclo Prato foi de repente deixado inacabado (será Andrea di Giusto para realizá-lo), provavelmente porque as empresas muito maiores em prestígio e lucro foram oferecidas enquanto isso. De fato, ele voltou a Florença para trabalhar no estaleiro de Santa Maria del Fiore, muito ativo para a inauguração da cúpula e consagração solene na presença do papa Eugenio IV. Em 1436, afogou o monumento equestre ao condottiere Giovanni Acuto (John Hawkwood) executado em apenas três meses e assinou com seu nome na base da estátua. O trabalho é monocromático (ou verdeterra), usado para dar a impressão de uma estátua de bronze. Ele usou dois implantes de perspectiva diferentes, um para a base e um para o cavalo e o cavaleiro. As figuras são curadas, cortês, bem tratadas volumetricamente através de um rascunho adequado de luz e sombra com claroscuro. Ao mesmo tempo, ele teve que traçar o ciclo perdido em terra verde com as Histórias de São Bento em Santa Maria degli Angeli. Neste trabalho, ele assinou, pela primeira vez, como "Pavli Vgielli": não está claro em que circunstâncias ele adotou O que parece um apelido simples como um nome verdadeiro, não menos importante em uma comissão pública de grande importância e visibilidade. Alguns também ligaram essa escolha com um vínculo com a família bolonhesa dos Aves. Em 1437 ele fez uma viagem a Bolonha, onde o afresco da Natividade permanece na primeira capela de
da igreja de San Martino. Entre 1438 e 1440 (mas alguns historiadores datam de 1456) perceberam as três pinturas que celebram a Batalha de San Romano, em que os florentinos, liderados por Niccolò Mauruzi de Tolentino derrotaram os sieneses em 1432. Os três painéis, exibidos até 1784 em uma sala do palácio Medici na Via Larga, em Florença, estão agora dispersos separadamente em três dos museus mais importantes da Europa: a Galeria Nacional em Londres (Niccolò da Tolentino à frente de fiorentini), os Uffizi (Desircionamento de Bernardino della Ciarda) e o Louvre em Paris (intervenção decisiva ao lado dos florentinos de Michele Attendolo), o último talvez realizado em uma data posterior e assinado pelo artista. O trabalho foi cuidadosamente preparado e permanecem vários desenhos com os quais o artista estudou construções geométricas em uma perspectiva particularmente complexa: eles permanecem hoje tanto nos Uffizi quanto no Louvre e pensa-se que neste estudo ele provavelmente foi ajudado pelo matemático Paolo Toscanelli. Em 1442 nós temos o primeiro documento que atesta a existência de sua oficina. Entre 1443 e 1445, ele executou para a Catedral de Florença o quadrante do grande relógio de relógio e os desenhos para duas janelas da cúpula (Ressurreição, realizada pelo vidente Bernardo di Francesco , e Natividade, criado por Angelo Lippi). Em 1445 ele foi chamado a Pádua por Donatello, e aqui ele percebeu no palácio Vitaliani afrescos com gigantes em terra verde, agora perdidos; Eles foram estimados em "grande conta" por Andrea Mantegna, que talvez tenha se inspirado nas Histórias de São Cristóvão na Capela de Ovetari. Voltou a Florença no ano seguinte. Em torno de 1447-1448, Paolo Uccello voltou a participar dos afrescos no claustro verde de Santa Maria Novella, em particular na luneta com o dilúvio e a recessão das águas, nas quais Noé pode ser visto para sair da arca , e sob o painel com o Sacrifice de Noah e a embriaguez. Na lunette, ele adotou um duplo ponto de cruzamento que acentuou, juntamente com a irrealidade das cores, o drama do episódio: à esquerda vemos a arca no início do dilúvio, logo após a inundação; Noah está presente tanto no ato de tomar o ramo de oliveira e em terra. As figuras se tornam menores se afastando, e a arca parece chegar ao infinito. Nos nus se sentiu a influência das figuras de Masaccio, enquanto a riqueza dos detalhes ainda era influenciada pelo estilo gótico tardio. Nesses mesmos anos, para o claustro do Hospital de San Martino della Scala, afogou uma luneta com a Natividade, hoje muito arruinada e Depósitos dos Uffizi em conjunto com a sinopia relativa: acima de tudo neste último, observa-se a atenção reservada pelo artista à construção em perspectiva, com uma definição muito breve das figuras, que são então encontradas em outras posições na versão final. Em 1447-1454 sobre a espera dos afrescos com Histórias dos santos eremitas no claustro de San Miniato, apenas parcialmente preservado. Em 1450, um tabernáculo é documentado em San Giovanni e, em 1452, uma pintura com a Beata Andrea Corsini no Duomo de Florença, ambas as obras perdidas. A tabela entre 1450 e 1475 é a mesa com a Thebaid, um tema amplamente difundido nesses anos e protegido na Galeria Accademia em Florença. A 1450 é também atribuído o pequeno tríptico com a crucificação, mantido no Metropolitan Museum of Art, em Nova York, provavelmente produzida por uma célula do convento de Santa Maria del Paradiso em Firenze.Sposò Tommasa Malifici em 1452 e tiveram duas filhas, as uma freira Antonia, uma freira carmelita que é lembrada por seus dons pictóricos, mas nenhum rastro de suas obras sobreviveu. Antonia é talvez o primeiro pintor florentino mencionado nas crônicas. Naquele ano é a mesa com uma Anunciação, agora perdida, da qual a predela é preservada com Cristo em piedade entre Madonna e São João Evangelista no Museu de San Marco, em Florença. Por volta de 1455, a mesa com São Jorge e o dragão da Galeria Nacional de Londres remonta. Entre 1455 e 1465, ele percebeu para o retábulo da igreja de San Bartolomeo (primeiro chamado San Michele Arcangelo) em Quarate, do qual apenas a predela permanece. composto por três cenas com a Visão de São João em Patmos, a Adoração dos Magi e dos Santos James, o Grande e Ansano, mantidos no Museu Diocesano de Santo Stefano na Ponte de Florença. Em 1465 pintou para Lorenzo di Matteo Morelli, uma mesa com São Jorge e o Dragão (Paris, Museu Jacquemart André) e o afresco com a Incredulidade de São Tomás na fachada da igreja de São Tomás no Mercado Antigo (perdido). Os retratos foram amplamente debatidos é a origem de um núcleo de retratos de Perfil da área florentina, data do início do Renascimento. Nessas obras, nas quais podemos ver as mãos diferentes, tentamos reconhecer a mão de Masaccio, agora de Paolo Uccello, agora de outros. Embora estes sejam provavelmente os retratos independentes mais antigos
da escola italiana, a ausência total de evidências documentais impede uma atribuição precisa. Em particular, Paolo Uccello em particular refere-se ao delicado retrato feminino do Museu Metropolitano, cujos traços lembrariam as princesas salvas pelo dragão nas mesas de Uccello (mas hoje é para um seguidor do artista), ou o Retrato de um jovem Musée des Beaux-Arts de Chambéry, das cores reduzidas em tons de vermelho e marrom, como em outros painéis do artista. Em uma idade avançada, Paolo Uccello foi convidado pelo Federico da Montefeltro para Urbino, onde permaneceu de 1465 a 1468, envolvendo-se na decoração do Palazzo Ducale. Aqui está a predela com o milagro profetizado do Anfitrião, encomendado pela Companhia de Corpus Domini, que foi então completada por um grande retábulo de Giusto di Gand. Provavelmente, esses anos, pertence o comprimido com a Caçada noturna do Museu Ashmolean em Oxford. Entre o final de outubro e o início de novembro de 1468, Paolo estava de volta a Florença. Velho e agora incapaz de trabalhar, ele permanece no registro de terra de 1469, no qual ele escreveu: "Truovomi velho e sem uso e não posso exercer e minha mulher está doente." 11 de novembro de 1475, provavelmente doente, será feito e ele morreu em 10 de dezembro de 1475, sendo enterrado no Espírito Santo, 12 de dezembro. Ele deixou muitos desenhos, incluindo três nos Uffizi com estudos prospectivos. Neste artigo, o artista provavelmente se juntou ao matemático Paolo Toscanelli. O estilo mais marcante das obras de maturação de Paolo Uccello é a construção da perspectiva ousada, que, ao contrário de Masaccio, não serve para dar ordem lógica à composição, dentro de um espaço finito e mensurável, mas sim criar cenografias fantásticas e visionárias, em espaços indefinidos. O seu horizonte cultural manteve-se ligado à cultura do gótico tardio, mesmo que seja interpretado com originalidade. As obras de maturidade estão contidas numa gaiola de perspectiva lógica e geométrica, onde as figuras são consideradas volumétricas, colocadas em função de correspondências matemáticas e racionais, onde são excluídas o horizonte natural e o dos sentimentos. O efeito, bem percebido em obras como a Batalha de San Romano é o de uma série de manequins que se passam por uma cena com ações congeladas e suspensas, mas o caráter emblemático e sonhador de sua pintura nasce dessa fixação inescrutável. O fantasma também é acentuado pelo uso de céus e fundos escuros, nos quais as figuras se destacam, bloqueadas em posições não naturais. Críticos da FortunaVasari in the Lives elogiou a perfeição a que Paolo Uccello liderou a arte da perspectiva, mas o repreendeu por dedicá-la "Grande", deixando de lado o estudo da rendição de figuras humanas e animais: "Paulo Uccello teria sido o talento mais gracioso e caprichoso que ele possuía, de Giotto aqui, a arte de pintar se ele estivesse tão cansado nas figuras e animais, quanto ele trabalhou e perdeu tempo em coisas de perspectiva ". Esta visão crítica limitada foi, de fato, aceita por todos os estudiosos subsequentes até Cavalcasell e, sublinhando como o estudo científico da perspectiva não empobrece a expressão artística, deu lugar a uma compreensão da arte de Paolo Uccello mais completa e fundamentada. Entre os estudos subseqüentes, um problema que muitas vezes enfrentava era o da interpretação do perspectiva fragmentada de algumas obras, de acordo com alguns, como Parrochi, ligados a uma "não aceitação do sistema de construção redutora com pontos de distância aplicados exemplarmente pelo arquiteto [Brunelleschi] em seus comprimidos experimentais". Mas talvez seja mais correto falar de uma interpretação pessoal desses princípios, em vez de uma oposição real, sob a bandeira de um senso maior "abstrato e fantástico" (Mario Salmi). Para Paulo, a perspectiva sempre permaneceu um instrumento para colocar as coisas no espaço e não para tornar as coisas reais, como é especialmente evidente em obras como a inundação universal. Mantendo a meio caminho entre o mundo gótico tardio e as novidades do Renascimento, Paolo Uccello fundiu "ideais antigos e novos meios de investigação" (Parronchi). O Mestre de Karlsruhe, Prato ou Quarate A crítica do início do século XX, encontrando uma certa descontinuidade estilística no grupo de obras referidas ou referentes a Paolo Uccello, ele freqüentemente assumiu a existência de alunos, a quem ele deu vários nomes convencionais, referindo-se a pequenos grupos de trabalhos, hoje geralmente todos se referiram, novamente, ao professor. Eles são o "Mestre de Karlsruhe", tendo como obra epónima a Adoração da Criança com os santos Girolamo, Maddalena e Eustachio (Pudelko), o "Mestre de Prato" (afrescos da Capela da Assunção, para o Papa Hennessy) ou o "Master of Quarate" (para a predela de Quarate, de acordo com Mario Salmi). Apesar das diferenças rescontrariáveis ​​entre as várias obras, parecem estar ligados por características homogêneas. Seria, afinal, muito improvável, como Luciano Berti apontou, que um mestre do peso e da fama de Paolo Uccello não havia atingido as obras principais e que todos os menores eram de um estudante sortudo de quem, por outro lado, nenhum trabalho importante foi preservado. 
 Além disso, todo trabalho, mesmo o mais passável, mostra sua marcada originalidade, que é a prerrogativa do mestre e não de um imitador. 
 Por todas estas razões, está inclinado a trazer todos esses alter ego para a figura única do mestre, talvez deslocando as várias obras em diferentes fases e períodos. Paolo Uccello em literaturaPaolo Uccello, juntamente com Gioachino Rossini e Lev Tolstoj, é um dos três composições que formam os Poemas Itálicos de Giovanni Pascoli, publicados um ano antes da morte do poeta em 1911. 
O poema Paulo Ucello, uma cena de dez capítulos onde Paulo pinta o rouxilão que ele não pode comprar, é uma celebração do poder escapista da arte e um desafio para reproduzir na poesia o estilo floral e descritivo do pintor florentino.Marcel Schwob dedica um capítulo de seu livro "Imaginary Lives" (1896), no qual imagina Paolo Uccello imerso na contemplação e decomposição do mundo em linhas e círculos simples tanto de separar tudo de toda percepção dos fenômenos terrestres da vida e da morte.